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PARALLEL LIVES, PARALLEL AESTHETICS - LEÓN FERRARI & GÜLSÜN KARAMUSTAFA

27/11/2021 Van Abbemuseum Eindhoven

https://vanabbemuseum.nl/programma/programma/parallel-lives-parallel-aesthetics/ 

27/11/2021 - 13/03/2022 Curators: Charles Esche, Andrea Wain, Julieta Zamorano Artists: Gülsün Karamustafa, León Ferrari In two solo exhibitions Ferrari and Karamustafa respond to the changes and conflicts taking place in their homelands

Parallel Lives, Parallel Aesthetics displays the works of two artists from beyond Europe - who have more than earned their spurs elsewhere - their first stand-alone solo exhibition in the Netherlands. León Ferrari: A Kind Cruelty is a comprehensive retrospective spanning the life of León Ferrari (1920 – 2013, Buenos Aires). It is paired with Gülsün Karamustafa: After the Cosmopolis, a full overview of the work of Gülsün Karamustafa (1946, Ankara). Hailing from different corners of the world, their cultural and geo-political histories show surprising parallels. Explore how these unique artists are responding to the changes and conflicts taking place in their homelands, and how this to a Western European audience is at once intriguing and familiar.

PARALLELS The work and lives of León Ferrari and Gülsün Karamustafa converge and intersect on multiple levels. Both respond to authoritarian governments that do not support freedom of speech: a situation characteristic of the issues facing many countries today, including in Europe.

DIFFERENCES As well as parallels, there are also differences between the artists. Karamustafa reflects on male-female relations in a changing Turkey, and the loss of Istanbul’s multicultural climate; Ferrari responds to the influence of Western, Christian civilization on South America and on dictatorship in Argentina. The exhibition includes never before shown pieces by the artist. Karamustafa will be producing a new artwork especially for this solo exhibition.

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Katinka Bock – Art Club #33, a cura di Pier Paolo Pancotto - Dal 26 novembre al 27 febbraio, Villa Medici, Roma

Inaugurazione giovedì 25 novembre 2021 alle 19.00 in presenza dell’artista Ingresso libero: prenotazione consigliata ma non obbligatoria a questo link https://www.villamedici.it/mostre/katinka-bock-art-club-33/  Già borsista dell’Accademia di Francia a Roma nel 2012-13, Katinka Bock torna ora con un progetto espositivo concepito appositamente per Villa Medici nell’ambito del ciclo d’arte contemporanea Art Club, curato da Pier Paolo Pancotto. Dal 25 novembre 2021 al 27 febbraio 2022, l’artista presenta due sculture in bronzo, Insomnie Amnesie, realizzate nel 2021 ed ospitate sotto la grande Loggia che si affaccia sui sette ettari di giardini della Villa. Luogo nevralgico della Villa, la Loggia accoglierà queste due opere inedite che rinnovano un linguaggio scultoreo pensato in relazione fisica e visiva con lo spazio occupato. La ricerca plastica di Katinka Bock si incentra sullo studio della materia, naturale o artificiale, e sui processi evolutivi a cui essa è soggetta nel momento in cui interagisce con la realtà circostante. Le forme che ne derivano sono il risultato di un processo lavorativo in cui il razionale e l’imprevisto interagiscono, assumendo caratteristiche ora più organiche ora più assimilabili ad un repertorio iconografico e iconologico insito nell’immaginario collettivo. Tali forme sono costituite di materiali diversi – metallo, pelle, legno, pietra, tessuto, gesso, argilla, ceramica, grafite – che, associati ad oggetti del quotidiano, danno luogo a installazioni che riflettono sulla temporalità, lo spazio, la storia e la natura, in un delicato equilibrio che lascia posto all’imprevisto e a future alterazioni.
Katinka Bock © Manuel Braun
Nata a Francoforte sul Meno (Germania), Katinka Bock si è laureata alla Kunsthochschule di Berlino e all’École nationale supérieuredes beaux-arts di Lione. Vive e lavora a Parigi. Nel 2012 riceve il 14° Premio della Fondazione Ricard e il Premio Dorothea von Stetten, diviene borsista a Villa Medici nel 2012-2013. Nel 2019, è nominata per il Premio Marcel Duchamp mentre nel 2021 è premiata con l’1% marché de l’art. Tra le realizzazioni più recenti, l’artista ha presentato la sua trilogiaespositiva Tomorrow’s sculpture al Kunstmuseum Winterthur in Svizzera, al MUDAM in Lussemburgo e allo IAC di Villeurbanne. Durante l’autunno del 2021, il suo lavoro è presentato in quattro esposizioni: Passierschein für die Zukunft, al Kunstmuseum Bonn in Germania; I-Infinito, Collezione Hausmaninger a Vienna; Segment with unknown radius, alla Galleria Cibrian di San Sebastian; Les Flammes, al Museo d’Arte Moderna di Parigi.   Katinka Bock é rappresentata dalle gallerie Jocelyn Wolff (Parigi), Meyer Riegger (Berlino), Greta Meert (Bruxelles) e 303 (New York).  
© Pier Paolo Pancotto
Pier Paolo Pancotto è curatore della Fondazione Nicola Del Roscio a Roma, e dal 2016 del programma espositivo Art Club a Villa Medici. In precedenza, ha curato il ciclo di mostre Fortezzuola, al Museo Pietro Canonica di Roma nel 2016-2018; oltre che progetti espositivi al Palais de Tokyo di Parigi; Estorick collection of Modern Italian Art, Londra; Galleria nazionale d’arte, Tirana; Lateral Art Space, Cluj; Galleria nazionale d’arte moderna, Roma; Museo H. C. Andersen, Roma; Museo Carlo Bilotti, Roma; Nomas Foundation, Roma; Casa Scatturin, Venezia. Tra le sue pubblicazioni: Artiste a Roma nella prima metà del ‘900 (2006); Arte contemporanea: dal minimalismo alle ultime tendenze (2010); Arte contemporanea. Il nuovo millennio (2013). Iniziata nel 2016 sotto la direzione curatoriale di Pier Paolo Pancotto, la serie Art Club presenta a Villa Medici il lavoro di artisti contemporanei internazionali, in uno spirito di apertura alle più svariate forme di creazione. Tra gli artisti esposti di recente: Mircea Cantor, Namsal Siedlecki, Achraf Touloub, Arcangelo Sassolino, Julius von Bismarck, Marinella Senatore, Lili Reynaud-Dewar, Cyprien Gaillard… [post_title] => Katinka Bock – Art Club #33, a cura di Pier Paolo Pancotto - Dal 26 novembre al 27 febbraio, Villa Medici, Roma [post_excerpt] => [post_status] => publish [comment_status] => closed [ping_status] => open [post_password] => [post_name] => katinka-bock-art-club-33-a-cura-di-pier-paolo-pancotto-dal-26-novembre-al-27-febbraio-villa-medici-roma [to_ping] => [pinged] => [post_modified] => 2021-11-22 13:00:01 [post_modified_gmt] => 2021-11-22 12:00:01 [post_content_filtered] => [post_parent] => 0 [guid] => https://www.radioartemobile.it/?p=18681 [menu_order] => 0 [post_type] => post [post_mime_type] => [comment_count] => 0 [filter] => raw [old_id] => 0 [post_it] => 0 ) [2] => WP_Post Object ( [ID] => 18608 [post_author] => 2 [post_date] => 2021-11-10 13:00:49 [post_date_gmt] => 2021-11-10 12:00:49 [post_content] =>

MYRIAM LAPLANTE - Un po' di tutto | Sabato 20 Novembre, Palazzo Lucarini Contemporary, Trevi

a cura di Maurizio Coccia e Mara Predicatori

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UNA COLLEZIONE SENZA CONFINI | LUIGI ONTANI Alam Jiwa & Vanitas | Martedì 2 novembre dalle 18 alle 20 -

GAM - Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea Via Magenta, 31 Torino

UNA COLLEZIONE SENZA CONFINI Arte internazionale dal 1990 a cura di Riccardo Passoni Il Direttore accoglierà i visitatori e risponderà alle loro domande
LUIGI ONTANI Alam Jiwa &Vanitas a cura di Elena Volpato Wunderkammer La curatrice accoglierà i visitatori e risponderà alle loro domande
Per accedere all'evento è obbligatorio esibire la Certificazione Verde Covid -19 insieme a un documento di identità
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Ettore Spalletti. Il cielo in una stanza | Lunedì 25 ottobre, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma

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Lunedì 25 ottobre, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea inaugura la mostra Ettore Spalletti. Il cielo in una stanza, a cura di Éric de Chassey e in collaborazione con lo Studio Ettore Spalletti, la prima che celebra il grande maestro dell’arte contemporanea a pochi anni dalla sua scomparsa, avvenuta nel 2019.
Un corpus selezionatissimo di opere, tra pittura e scultura, riscrivono gli spazi del Salone Centrale trasformandolo in un paesaggio che esprime il senso e la portata della ricerca artistica di Ettore Spalletti, protagonista di un percorso solitario e caratterizzato da tratti di unicità nella storia dell’arte contemporanea italiana, da quando, a partire dagli esordi negli anni Settanta, ha attraversato il turbinio delle avanguardie da una prospettiva distaccata, originale e fortemente coerente.
Scelte rigorose e una chiarissima educazione visiva hanno posto un limite a forme geometriche primarie e a colori di elezione, come l’azzurro, il bianco, il grigio, il rosa e il porpora. Altrettanto per le forme scultoree, come la colonna, elemento della tradizione, l’ellisse, il bacile e l’anfora. Ma è un limite che tende all’infinito, dove le regole auree dell’artista hanno il potere di amplificare la forza espressiva delle sue opere, dalla stesura del colore puro alle studiate interazioni con le superfici e le dinamiche ambientali.
Nelle parole del curatore Éric de Chassey: “La scelta precoce del monocromo da parte di Ettore Spalletti come mezzo privilegiato per creare quadri, sculture e spazi si è rivelata nel corso dei decenni particolarmente felice. Invece di porre un limite, ha aperto a possibilità impreviste di fare esperienza senza confini dell’infinito, attraverso una riflessione concreta su materialità specifiche”.
Il colore azzurro, che domina la mostra, nella forma del monocromo occupa lo spazio e invita lo spettatore ad immergersi in questo paesaggio e a prendere parte ad un’esperienza emozionale. Le vibrazioni del colore azzurro seguono il variare della luce e delle situazioni atmosferiche, mentre anche il tempo di chi osserva acquista una dimensione meditativa. Si coglie quindi la presenza di una tensione metafisica che ha caratterizzato la ricerca di Spalletti, a livello artistico e personale. Gli interrogativi sulla dimensione incorporea che l’oggetto artistico possiede sottendono un profondo coinvolgimento spirituale, lo stesso che lo guida nell’intento di tradurre il soprannaturale in qualcosa di tangibile, di portare il cielo in una stanza.
“Ho curato questa mostra – dice Éric de Chassey – con l’obiettivo di permettere ai visitatori della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di sperimentare quella gioia profonda, quell’esperienza improvvisa che ho provato visitando le mostre ideate da Ettore Spalletti quando era in vita, anche se so bene che si tratterà ora di una gioia diversa”.
In mostra, le opere provenienti dallo Studio Ettore Spalletti si affiancano ad altre opere appartenenti alla collezione permanente della Galleria Nazionale, esposte come inserti in Time is Out of Joint.
L’inaugurazione della mostra Ettore Spalletti. Il cielo in una stanza, sarà preceduta alle ore 17.30 da una presentazione del curatore e dalle testimonianze di critici e curatori che hanno conosciuto l’artista e incrociato il suo percorso: saranno presenti, oltre a Éric de Chassey e Patrizia Leonelli Spalletti, Cristiana Collu, Laura Cherubini, Bruno Corà, Penelope Curtis, Danilo Eccher, Daniela Lancioni, Alessandro Rabottini, Andrea Viliani.
Seguirà l’inaugurazione della mostra alle ore 18.30.
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Roma, 21 settembre 2021 - Ieri, set di film che hanno contribuito a creare l'immaginario collettivo. Oggi, teatro di interventi di arte contemporanea. La strada della Dolce Vita torna grande protagonista della scena culturale romana, tra arte e cinema. Consacrata dal grande schermo con il capolavoro felliniano, oggi via Veneto si conferma spazio creativo, vivo e vitale, aperto al nuovo, grazie a un ricco calendario di appuntamenti, concepito per valorizzare la sua storia e far scoprire i fermenti del presente, proiettando così il suo scenario, le sue atmosfere, le sue suggestioni nel domani. Ecco allora, dal 25 settembre, “Via Veneto Contemporanea”, esposizione a cielo aperto di opere di Erwin Wurm, artista austriaco di fama internazionale, e, a precederla e introdurla, dal 23, a Casa del Cinema, Via Veneto Ieri e oggi, programma di proiezioni ad hoc che ripercorrono il “mito” della Dolce Vita.

A dialogare, in un'interessante trama di solleciti, sono le memorie  della vita cittadina, l'immaginario alimentato dai film e il nuovo percorso espositivo, che vede l'arte occupare gli spazi pubblici, andando fuori dalle aree ad essa abitualmente deputate, assicurando un'esperienza espositiva dinamica e in assoluta sicurezza. E “sorprendendo” visitatori, appassionati, nonché curiosi e semplici passanti. Obiettivo, offrire “sguardi” inusitati sulla strada e, attraverso di essa, sulla città e invitare i romani a riscoprire la zona, nella forza delle sue memorie, ma anche, ad oggi meno indagata, nell’energia della sua contemporaneità.

Tra “Performative Sculptures”, le cosiddette “Sculture Tascabili”, anche tre grandi figure in bronzo della serie “Sculture a metà” dipinte di rosa, nella tonalità delle gomme da masticare, sono quattordici gli interventi di Erwin Wurm, che, dal 25 settembre al 14 novembre, comporranno il percorso di “Via Veneto Contemporanea”, a cura di Catherine Loeweesposizione gratuita a cielo aperto, nella strada della Dolce Vita, dalle Mura Aureliane fino ai punti più iconici della via.  

La mostra sarà la prima installazione urbana realizzata da Wurm a Roma ed è promossa da Roma Culture, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali.  

L'arte contemporanea si fa così modo per rileggere scenari noti, tramite inusitate suggestioni che accendono i riflettori sulla città, catturando nuovi sguardi. 

 Non solo. In occasione della mostra, infatti, Casa del Cinema, il 23 settembre, dedicherà uno speciale programma di proiezioni e incontri, a ingresso gratuito, al mito della “Dolce Vita” (accesso libero fino a esaurimento posti). Cuore dell'iniziativa “Via Veneto Ieri e oggi”, la proiezione del capolavoro di Federico Fellini, “La dolce vita” (Italia, 1960, 178’), appunto, preceduta dalla presentazione con Sandra Milo e Pino Strabioli, alle 19.30, al teatro all'aperto Ettore Scola. Nello stesso pomeriggio, anche, alle 16, la proiezione di “Via Veneto”, di Giuseppe Lipartiti (Italia, 1963, 90’), che vede nel cast moltissimi protagonisti del cinema di quegli anni, come Cesare Miceli Picardi, anche nel cast del cult di Federico Fellini e nel successivo “Fellini 8 ½”. Alle 18, inoltre, “Via Veneto Set. La strada, il cinema, la vita” di Italo Moscati (Italia, 2006, 95’), affresco di Roma del cinema tra gli anni Cinquanta e Sessanta. Un vero e proprio percorso introduttivo alla “Dolce Vita” di ieri per riguardare alle suggestioni della strada  e offrire nuovi spunti di lettura sulla zona, dove due giorni dopo sarà inaugurata la mostra di Erwin Wurm. 

 

Venuto alla ribalta a fine anni ‘90 con le sue One Minute Sculptures, incentrate sull’interazione tra le opere e il corpo degli spettatori, Wurm, classe 1954, fa di “gioco” e provocazione gli strumenti per indagare e superare i confini materiali e concettuali della scultura. I lavori, irriverenti e di grande impatto, spesso portano in primo piano, in dimensioni monumentali, oggetti di uso comune, coinvolgendo in modo diretto l’osservatore. Ad essere investigati e illustrati sono elementi - e, di rimando, aspetti - intimi del quotidiano, abitualmente confortanti, che, proprio per le grandi e grandissime dimensioni, sembrano incombenti. Sorriso e sorpresa, ma anche malinconia, forse una nota di inquietudine, diventano gli strumenti per sollecitare la riflessione sulla vita e su noi stessi. 

 

Nel percorso, alcune opere iconiche dell’artista. Ecco allora, incorniciata dall'arco di Porta Pinciana, Big Mutter (2015), borsa dell'acqua calda di grandi dimensioni che si regge sulle proprie gambe, omaggio a cura e affetto che le madri dimostrano per i propri figli. Ed ecco Boot, Butter e Boxing Glove (2015-16) nella serie delle Performative Sculptures. Poi, le Sculture Tascabili, serie di borse e valigie su gambe (2017-21). Di opera in opera, ad essere raccontate sono ricerca e filosofia dell’artista, indagate però anche in relazione al luogo e al momento. Così, ad esempio, contemplando Fat House (2003) tornano alla mente eccessi e golosità del cinema felliniano, ma è inevitabile pensare pure al significato di casa, specie in epoca di pandemia, e, ovviamente, al messaggio insito nell'opera che si fa vivace critica alla nostra ossessione per la dieta e per la magrezza. 

 

Via Veneto e, più in generale, Roma, dunque, si rivelano teatro ideale per la riflessione artistica di Wurm. Fuse in alluminio e bronzo e, in questo modo, consacrate all’eternità, le sue Valigie rendono “infinito” l’istante. Oggetti comuni, apparentemente banali, vengono elevati allo status di opere arte. La loro presenza, nel centro storico di Roma, diviene provocazione e invito - ironico ma serio - a meditare su come e quanto si possa dare al quotidiano una dimensione aulica.  La “passeggiata” in via Veneto offre l'occasione, di fatto, per guardarci allo specchio, interrogarci su chi siamo e su come siamo diventati. Magari anche su come vorremmo essere. 

 

Erwin Wurm (Bruck an der Mur, 1954) ha conquistato i riflettori internazionali, a fine anni ‘90 , con le One Minute Sculptures, nelle quali proponeva l’interazione tra le opere e il corpo degli spettatori. Nel tempo, le sue sculture hanno iniziato a prendere fattezze umane. Le sue opere antropomorfe come Big Mutter, Big Coat e le sue Bag, sono appoggiate su gambe con caratteristiche o posture che evocano personalità distinte. Surreale e iperreale allo stesso tempo, il suo lavoro sembra situato in una dimensione esistenzialista a metà tra il piacere e la disperazione. Nella sua serie Verschnittskulpturen di bronzi senza testa costituiti da figure affettate e tagliate a dadini, gli abiti sembrano assumere una vita propria. Wurm ha ricevuto numerosi riconoscimenti: nel 2013, il Gran Premio dallo Stato Austriaco. Nel 2015 è diventato Austriaco dell'anno nella categoria dei Beni Culturali. Ha partecipato due volte alla Biennale di Venezia, la prima alla 54a Biennale di Venezia nel 2011, esponendo la sua installazione Narrow House a Palazzo Cavalli Franchetti nell'ambito dell'evento Glasstress. È tornato a Venezia per la 57a Biennale nel 2017, dove ha rappresentato l'Austria nel padiglione nazionale. 

Il lavoro di Wurm si trova nelle collezioni permanenti di molti musei in tutto il mondo, tra cui MoMA, The Museum of Modern Art di New York, Centre Georges Pompidou di Parigi, Tate Modern di Londra, Museum Ludwig di Colonia, Albertina di Vienna, Baltimore Museum of Art, Kunsthaus Zurich, National Gallery of Victoria a Melbourne, Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, National Museum of Art, Osaka, Vancouver Art Gallery e Walker Art Center a Minneapolis.  

Informazioni per il pubblico: 060608 (tutti i giorni, ore 9-19) 

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“Luce di Pescara” su RADIOARTE 21/06/21 - ore 17.30 www.radioarte.it * - ASCOLTA LA REGISTRAZIONE  MarioPieroni_LuceDiPescara_suRADIOARTE_210621

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Pensare alla luminosità di un luogo, di Pescara e descriverla, descrivendo insieme ciò che continua a produrre creativamente un tipo di atmosfera. Adriatico su Pescara è il confine che non esiste, a onde e in aria con le nuvole, un’antica pazienza apre il sorriso dell’azzurro. Una sensibilità che continua a esprimersi con l’arte, una città che ne custodisce molta. “Luce di Pescara”
Pensare alla luminosità di un luogo, di Pescara e descriverla, descrivendo insieme ciò che continua a produrre creativamente un tipo di atmosfera. Adriatico su Pescara è il confine che non esiste, a onde e in aria con le nuvole, un’antica pazienza apre il sorriso dell’azzurro. Una sensibilità che continua a esprimersi con l’arte, una città che ne custodisce molta. 
Le Persone con Mario Pieroni

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PARALLEL LIVES, PARALLEL AESTHETICS - LEÓN FERRARI & GÜLSÜN KARAMUSTAFA

27/11/2021 Van Abbemuseum Eindhoven

https://vanabbemuseum.nl/programma/programma/parallel-lives-parallel-aesthetics/ 

27/11/2021 - 13/03/2022 Curators: Charles Esche, Andrea Wain, Julieta Zamorano Artists: Gülsün Karamustafa, León Ferrari In two solo exhibitions Ferrari and Karamustafa respond to the changes and conflicts taking place in their homelands

Parallel Lives, Parallel Aesthetics displays the works of two artists from beyond Europe - who have more than earned their spurs elsewhere - their first stand-alone solo exhibition in the Netherlands. León Ferrari: A Kind Cruelty is a comprehensive retrospective spanning the life of León Ferrari (1920 – 2013, Buenos Aires). It is paired with Gülsün Karamustafa: After the Cosmopolis, a full overview of the work of Gülsün Karamustafa (1946, Ankara). Hailing from different corners of the world, their cultural and geo-political histories show surprising parallels. Explore how these unique artists are responding to the changes and conflicts taking place in their homelands, and how this to a Western European audience is at once intriguing and familiar.

PARALLELS The work and lives of León Ferrari and Gülsün Karamustafa converge and intersect on multiple levels. Both respond to authoritarian governments that do not support freedom of speech: a situation characteristic of the issues facing many countries today, including in Europe.

DIFFERENCES As well as parallels, there are also differences between the artists. Karamustafa reflects on male-female relations in a changing Turkey, and the loss of Istanbul’s multicultural climate; Ferrari responds to the influence of Western, Christian civilization on South America and on dictatorship in Argentina. The exhibition includes never before shown pieces by the artist. Karamustafa will be producing a new artwork especially for this solo exhibition.

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